👨‍🎨 Saul Leiter : apprendre à composer une image en regardant autrement

Il arrive que nous passions devant le même paysage, la même rue ou la même fenêtre des centaines de fois sans vraiment les voir.

• Nous savons qu’ils sont là.
• Nous les reconnaissons.
• Puis nous continuons notre chemin.

Pourtant, certaines personnes semblent capables de transformer ces scènes ordinaires en images qui nous arrêtent immédiatement.

• Pourquoi ?
• Ont-elles trouvé des lieux extraordinaires ?
• Possèdent-elles un talent inaccessible ?
• Ou regardent-elles simplement le monde autrement ?

C’est précisément la question que nous allons explorer avec Saul Leiter.

Peintre de formation, photographe discret et longtemps resté dans l’ombre, il ne recherchait ni les grands événements ni les paysages spectaculaires. Il photographiait souvent les rues qu’il parcourait chaque jour, un parapluie sous la pluie, une silhouette derrière une vitre embuée, un reflet dans une vitrine ou une simple touche de couleur perdue dans la ville.

À première vue, ses images semblent presque silencieuses.

Pourtant, elles nous apprennent une leçon essentielle :

Une image forte ne montre pas forcément davantage. Elle choisit simplement mieux ce qu’elle laisse voir.

Cette idée dépasse largement la photographie.

Elle peut transformer votre manière de dessiner, de peindre, de composer une illustration… ou simplement d’observer le monde qui vous entoure.

Car le plus difficile n’est pas toujours de trouver un sujet intéressant.

Le plus difficile est souvent de choisir où regarder, quoi garder… et ce que l’on accepte de laisser hors du cadre.

Dans cet article, nous allons découvrir comment Saul Leiter a construit un langage visuel unique, pourquoi son regard continue d’inspirer des artistes du monde entier et, surtout, comment ses choix peuvent vous aider à développer votre propre sens de la composition.

Vous verrez qu’il n’est pas nécessaire de partir à l’autre bout du monde pour créer une image qui touche.

Parfois, il suffit d’apprendre à regarder autrement ce qui se trouve déjà devant soi.

🧭 Sommaire

1. 👨 Saul Leiter, un peintre devenu photographe
2. 💡Sa grande idée : le monde ordinaire mérite notre attention
3. 🎨 Créer une image, c’est apprendre à choisir
4. 🧠 Les six outils visuels de Saul Leiter
5. 👁️ Regarder ses photographies autrement
6. 🖼️Peintre ou photographe : pourquoi choisir ?
7. 🎯 Ce que Saul Leiter peut changer dans votre manière de dessiner
8. 🌱 Ressentir avant de comprendre — court encadré
9. 🌈 Citation choisie
10. 🎁 Bonus créatif
11. 🔗 Pont vers Jackson Pollock
12. 🔎 Sources officielles
13. 📚Et après ? Lectures du blog

1. 👨‍ Saul Leiter : un peintre devenu photographe

Avant de découvrir les images de Saul Leiter, il est utile de comprendre une chose essentielle : il ne s’est jamais considéré uniquement comme photographe.

Pendant toute sa vie, il a continué à peindre.

Cette double pratique explique en grande partie pourquoi ses photographies sont si différentes de celles de nombreux photographes de son époque.

Là où certains cherchaient avant tout à raconter un événement ou à documenter la réalité, Saul Leiter composait ses images avec la sensibilité d’un peintre.

Il s’intéressait aux couleurs, aux formes, aux équilibres et aux espaces laissés volontairement dans l’ombre ou hors du cadre.

C’est sans doute ce regard particulier qui rend encore aujourd’hui son œuvre si reconnaissable.

🎨 Une enfance tournée vers un tout autre avenir

Saul Leiter naît le 3 décembre 1923 à Pittsburgh, aux États-Unis.

Son père est un rabbin reconnu et imagine pour son fils une carrière religieuse.

Le jeune Saul suit donc des études de théologie pendant plusieurs années.

Pourtant, quelque chose l’attire irrésistiblement vers le dessin et la peinture.

Très tôt, il remplit des carnets de croquis et s’intéresse davantage aux artistes qu’aux textes religieux.

En 1946, à seulement vingt-deux ans, il prend une décision qui change toute sa vie.

Il quitte Pittsburgh pour s’installer à New York, avec l’idée de devenir peintre.

À cette époque, rien ne laisse encore imaginer qu’il deviendra l’une des grandes figures de la photographie couleur.

🗽 New York : un immense atelier à ciel ouvert

New York est alors en pleine effervescence artistique.

Les galeries se multiplient.

Les peintres abstraits révolutionnent l’art américain.

Les photographes parcourent les rues à la recherche de scènes de la vie quotidienne.

Saul Leiter découvre ce monde avec curiosité.

Il fréquente des artistes, visite des expositions et continue à peindre chaque jour.

C’est également à cette période qu’il fait la rencontre du photographe Richard Pousette-Dart, puis d’autres personnalités du milieu artistique, qui l’encouragent à explorer la photographie.

Peu à peu, l’appareil photo devient pour lui un second carnet de croquis.

Non pas pour remplacer la peinture…

Mais pour prolonger sa manière d’observer le monde.

📷 Un photographe qui pensait comme un peintre

Contrairement à beaucoup de photographes de rue de son époque, Saul Leiter ne cherche pas les scènes spectaculaires.

Il préfère les instants presque invisibles :

• une silhouette derrière une vitre embuée ;
• un parapluie rouge sous la pluie ;
• un reflet dans une vitrine ;
• une personne aperçue entre deux autobus ;
• une lumière qui traverse doucement une fenêtre.

Ces scènes semblent ordinaires.

Pourtant, entre ses mains, elles deviennent des compositions pleines de poésie.

Son regard de peintre le pousse à simplifier l’image, à jouer avec les couleurs et à accepter qu’une partie de la scène reste cachée.

Il comprend très tôt qu’une image n’a pas besoin de tout montrer pour être forte.

🌈 Un pionnier discret de la photographie couleur

Dans les années 1950, la photographie artistique est encore largement dominée par le noir et blanc.

La couleur est souvent réservée à la publicité, aux magazines ou aux photographies familiales.

Saul Leiter choisit pourtant d’explorer cette voie.

Sans chercher à provoquer.

Sans faire de grands discours.

Simplement parce que la couleur fait naturellement partie de sa manière de regarder.

Pendant plusieurs décennies, son travail reste relativement confidentiel.

Il poursuit ses recherches dans une grande discrétion, vivant modestement et continuant à peindre autant qu’à photographier.

Ce n’est qu’au début des années 2000 que son œuvre est véritablement redécouverte par le grand public.

Aujourd’hui, il est considéré comme l’un des artistes qui ont contribué à faire reconnaître la photographie couleur comme un véritable langage artistique.

🌿 Ce qu’il faut retenir

L’histoire de Saul Leiter n’est pas celle d’un homme qui voulait devenir célèbre.

C’est celle d’un artiste qui est resté fidèle à sa manière de regarder le monde.

Il n’a jamais cherché des sujets extraordinaires.

Il a appris à voir autrement ce qui se trouvait déjà devant lui.

Et c’est précisément cette façon de regarder que nous allons découvrir dans la suite de cet article.

2.💡 La grande idée de Saul Leiter : le quotidien peut suffire

Nous avons souvent l’impression qu’il faut trouver un sujet exceptionnel pour créer une image intéressante.

Un paysage spectaculaire.

Un visage très expressif.

Une scène rare.

Un voyage.

Un événement.

Pourtant, Saul Leiter nous montre presque l’inverse.

Pendant des années, il photographie les rues proches de chez lui, à New York.

Il observe :

• des passants ;
• des vitrines ;
• des taxis ;
• des parapluies ;
• des traces de pluie ;
• des silhouettes derrière une vitre ;
• des reflets qui se superposent ;
• des fragments de rue que la plupart des gens ne remarquent même plus.

Ses sujets sont souvent simples.

Parfois presque banals.

Mais ses images ne le sont jamais.

🌧️  Le sujet n’est pas toujours ce qui fait l’image

Deux personnes peuvent se tenir exactement au même endroit.

Elles peuvent regarder la même rue, la même fenêtre ou le même passant.

Pourtant, elles ne construiront pas la même image.

Pourquoi ?

Parce qu’une image ne dépend pas uniquement de ce qui se trouve devant nous.

Elle dépend aussi de ce que nous choisissons :

• de regarder ;
• de garder ;
• de couper ;
• de rapprocher ;
• de cacher ;
• de laisser entrer dans le cadre.

Saul Leiter ne transforme donc pas le quotidien en ajoutant quelque chose d’extraordinaire.

Il le transforme en faisant des choix.

Le sujet peut être simple.
Le regard, lui, peut être profondément personnel.

C’est cette différence qui donne de la force à ses photographies.

👁️  Voir une scène ou découvrir une image

Lorsque nous marchons dans la rue, notre regard va souvent vite.

Nous reconnaissons les choses sans les examiner.

Nous voyons un bus.

Une vitrine.

Une personne qui traverse.

Une rue mouillée.

Puis nous continuons notre chemin.

Saul Leiter semble au contraire ralentir devant ce que les autres considèrent comme secondaire.

Il remarque :

• une petite tache rouge perdue dans une scène grise ;
• une silhouette presque effacée par la pluie ;
• un reflet qui transforme une vitre en surface abstraite ;
• un personnage dont on ne voit qu’une partie ;
• une lumière qui modifie l’atmosphère d’un lieu ordinaire.

Il ne cherche pas seulement à montrer ce qui se passe.

Il cherche à découvrir ce que cette scène peut devenir dans une image.

C’est une nuance essentielle.

Le monde réel fournit les éléments.

Mais c’est le cadrage qui commence à les organiser.

🪟 Une contrainte peut devenir une ressource

On pourrait penser qu’une vitre sale, la buée, la pluie ou un obstacle gênent la photographie.

Saul Leiter les utilise au contraire comme des outils.

Une vitre peut :

• brouiller les contours ;
• superposer plusieurs plans ;
• masquer une partie du sujet ;
• faire apparaître des reflets ;
• transformer la rue en surface colorée.

Un élément qui semblait empêcher de voir devient alors une manière de composer.

C’est une idée très importante pour la création :

Ce qui gêne au premier regard peut parfois enrichir l’image.

Une ombre trop forte.

Un objet placé devant le sujet.

Une fenêtre sale.

Un espace trop étroit.

Une scène partiellement cachée.

Au lieu de supprimer immédiatement ces éléments, Saul Leiter semble se demander :

« Que peuvent-ils apporter à l’image ? »

Cette posture change tout.

Elle nous invite à ne pas corriger trop vite ce qui paraît imparfait.

🎨 L’ordinaire devient personnel quand le regard choisit

Le quotidien est commun à tout le monde.

Nous connaissons tous :

• les rues ;
• les objets ;
• les fenêtres ;
• les transports ;
• les gestes habituels ;
• les saisons qui passent.

Mais personne ne remarque exactement les mêmes choses.

Ce que vous choisissez de regarder révèle déjà quelque chose de vous.

Une personne sera attirée par les couleurs.

Une autre par les ombres.

Une autre encore par les détails, les visages ou les espaces vides.

Développer un regard personnel ne signifie donc pas forcément inventer un univers entièrement nouveau.

Cela peut commencer beaucoup plus simplement :

remarquer ce qui retient naturellement votre attention.

Saul Leiter ne cherchait pas à photographier toute la ville.

Il choisissait certains fragments.

Certains instants.

Certaines couleurs.

Certaines distances.

Et, à force de choix répétés, son univers est devenu reconnaissable.

🌿 Une idée rassurante pour celles et ceux qui créent

Beaucoup de personnes pensent :

« Je n’ai rien d’intéressant autour de moi. »

Cette impression peut bloquer le dessin, la photographie ou l’envie de commencer un projet.

Saul Leiter nous apporte une réponse encourageante :

Vous n’avez peut-être pas besoin d’un meilleur sujet.
Vous avez peut-être besoin d’un autre point de vue.

Un coin de table peut devenir une composition.

Une personne derrière une vitre peut devenir une silhouette mystérieuse.

Une rue sous la pluie peut devenir un assemblage de couleurs et de reflets.

Un objet familier peut révéler une forme que vous n’aviez jamais remarquée.

La création commence alors moins par la recherche d’un sujet spectaculaire que par une question :

Qu’est-ce que je peux découvrir ici que je n’avais pas encore vu ?

🎯 Ce que cela change pour le dessin et la photographie

Cette idée ne concerne pas uniquement les photographes.

Elle peut aider toute personne qui crée une image.

Avant de commencer, vous pouvez vous demander :

• Qu’est-ce qui m’attire réellement dans cette scène ?
• Est-ce le sujet entier ou seulement un détail ?
• Que puis-je enlever ?
• Que puis-je couper ?
• Quel élément doit attirer le regard ?
• Quelle partie peut rester mystérieuse ?
• Dois-je montrer tout l’espace ?

Ces questions permettent de passer d’une simple reproduction à une véritable composition.

Vous ne cherchez plus seulement à faire entrer un sujet dans une feuille ou dans un écran.

Vous commencez à décider comment le spectateur va le découvrir.

🌱 Ce qu’il faut retenir

Saul Leiter nous rappelle une idée simple, mais précieuse :

Le monde quotidien contient déjà de nombreuses images.
L’artiste apprend à les repérer, à les choisir et à les organiser.

Ce n’est donc pas toujours le sujet qui manque.

C’est parfois le temps de regarder.

Ou la permission de cadrer autrement.

Dans la partie suivante, nous allons justement approfondir cette idée essentielle :

Créer une image, c’est d’abord apprendre à choisir.

 

3.🎨 Créer une image, c’est d’abord apprendre à choisir

Lorsque nous commençons un dessin, une peinture ou une photographie, nous pensons souvent que notre première décision concerne la technique.

• Quel crayon utiliser ?
• Quelles couleurs choisir ?
• Quel réglage adopter ?
• Quel support préparer ?

Pourtant, une décision plus profonde a déjà commencé à construire l’œuvre :

Qu’allons-nous montrer ?

Et, surtout :

Qu’allons-nous choisir de ne pas montrer ?

Saul Leiter nous aide à comprendre que la composition ne commence pas au moment où nous traçons une ligne ou appuyons sur le déclencheur.

Elle commence lorsque nous décidons où poser notre regard.

Composer ne signifie pas tout faire entrer

Face à une scène, nous pouvons avoir envie de tout conserver.

• Le personnage.
• La rue.
• Les bâtiments.
• Les voitures.
• La lumière.
• Les objets placés au premier plan.
• Les détails de l’arrière-plan.

Nous craignons parfois qu’en retirant un élément, le spectateur ne comprenne plus la scène.

Mais plus une image contient d’informations, plus chacune d’elles doit partager l’attention.

Le regard ne sait plus toujours où entrer.

Il hésite.

Il se disperse.

Saul Leiter fait souvent le choix inverse.

Il ne cherche pas nécessairement à montrer une scène complète.

Il en conserve un fragment :

• une silhouette partiellement cachée ;
• un parapluie coupé par le bord de l’image ;
• une petite zone colorée ;
• un reflet ;
• une portion de visage ;
• quelques formes aperçues derrière une vitre.

Le spectateur ne reçoit pas toutes les informations.

Il doit compléter, imaginer et ressentir.

Composer ne consiste donc pas à tout faire entrer dans l’image.
Composer consiste à choisir ce qui mérite d’y rester.

Chaque cadrage raconte une histoire différente

Imaginons une personne marchant sous un parapluie rouge dans une rue pluvieuse.

Nous pouvons cadrer largement.

Nous montrons alors la ville, la circulation, les passants et l’atmosphère générale.

L’image parle peut-être de la vie urbaine.

Nous pouvons nous rapprocher et isoler la personne.

L’image devient plus intime.

Elle peut évoquer la solitude, l’attente ou le mouvement.

Nous pouvons ne conserver qu’un fragment du parapluie rouge et son reflet dans une flaque.

La personne disparaît presque.

L’image parle alors davantage de couleur, de rythme et de perception.

La scène réelle n’a pas changé.

Le sujet non plus.

Mais le sens de l’image s’est transformé parce que l’artiste a modifié :

• la distance ;
• l’angle de vue ;
• les limites du cadre ;
• la place accordée au sujet ;
• la quantité d’espace autour de lui.

Le cadrage ne se contente pas d’entourer une scène.
Il lui donne une direction.

Choisir un point de vue, c’est déjà prendre position

Nous pouvons observer un même objet :

• de face ;
• de profil ;
• d’en haut ;
• d’en bas ;
• de très près ;
• à travers un autre élément ;
• depuis un espace ouvert ;
• depuis un endroit étroit.

Chaque position produit une relation différente avec le sujet.

Une personne photographiée ou dessinée d’en bas peut paraître imposante.

Vue d’en haut, elle peut sembler fragile ou isolée.

Placée très loin, elle devient une petite présence dans un vaste espace.

Observée de très près, elle occupe presque tout notre champ de vision.

Ces choix ne sont jamais tout à fait neutres.

Ils influencent :

• la place que le sujet semble occuper ;
• la distance émotionnelle avec le spectateur ;
• l’impression de force ou de fragilité ;
• le sentiment d’espace ;
• le rythme de l’image ;
• ce qui paraît important ou secondaire.

Même lorsque l’artiste ne cherche pas à transmettre un message précis, son emplacement modifie déjà notre manière de percevoir la scène.

Changer de place, c’est changer ce que l’œuvre peut dire.

Ce qui se trouve devant le sujet peut aussi faire partie de l’image

Notre premier réflexe consiste souvent à chercher un point de vue parfaitement dégagé.

Nous nous déplaçons pour éviter :

• une vitre ;
• un poteau ;
• une personne ;
• un objet trop proche ;
• une ombre ;
• une branche ;
• un bord de fenêtre.

Nous considérons ces éléments comme des obstacles.

Saul Leiter nous invite à envisager une autre possibilité.

Un obstacle peut devenir une composante de l’image.

Une vitre mouillée peut adoucir les contours.

Un objet situé au premier plan peut créer de la profondeur.

Une forme sombre peut encadrer une partie de la scène.

Un reflet peut superposer plusieurs espaces.

Une personne passant devant le sujet peut produire une apparition fugitive.

L’artiste ne se demande plus seulement :

« Comment supprimer ce qui me gêne ? »

Il peut aussi se demander :

« Comment utiliser ce qui se trouve entre mon sujet et moi ? »

Cette question est précieuse pour toute pratique artistique.

Elle transforme une contrainte en choix plastique.

Choisir, c’est établir une hiérarchie

Tous les éléments d’une œuvre ne peuvent pas avoir exactement la même importance.

L’artiste doit décider :

• ce que le spectateur remarquera en premier ;
• ce qu’il découvrira ensuite ;
• ce qui restera discret ;
• ce qui pourra presque disparaître ;
• ce qui ne sera qu’évoqué.

Cette organisation constitue une hiérarchie visuelle.

Elle peut être créée par :

• la taille ;
• la couleur ;
• le contraste ;
• la netteté ;
• la lumière ;
• l’emplacement ;
• la répétition ;
• l’isolement d’un élément ;
• la quantité d’espace qui l’entoure.

Dans une scène principalement grise, une petite forme rouge peut devenir le centre de l’image.

Dans un dessin très détaillé, une zone laissée presque vide peut attirer le regard.

Dans une peinture aux formes nombreuses, un élément isolé peut prendre une importance inattendue.

Le sujet principal n’est donc pas toujours l’élément le plus grand.

C’est souvent celui vers lequel les choix de l’artiste conduisent naturellement notre attention.

L’espace vide n’est pas un espace inutile

Lorsque nous composons, nous nous concentrons facilement sur les objets, les personnages ou les formes représentées.

Nous oublions parfois de regarder l’espace qui les sépare.

Pourtant, le vide agit lui aussi.

Il peut :

• isoler un personnage ;
• créer une respiration ;
• accentuer une distance ;
• donner une direction au regard ;
• produire une impression de calme ;
• renforcer un sentiment de solitude ;
• laisser une place à l’imagination.

Un personnage placé au centre d’une feuille ne raconte pas la même chose qu’un personnage repoussé vers un bord.

Un objet entouré de vide peut sembler précieux, fragile ou silencieux.

Deux formes très proches peuvent créer une tension.

Deux formes éloignées peuvent évoquer une séparation.

L’espace vide ne correspond pas à ce que l’artiste a oublié de remplir.
Il fait partie de ce que l’artiste a choisi de construire.

Les bords de l’image participent à la composition

Nous considérons parfois le cadre comme une simple limite extérieure.

Pourtant, ses bords agissent directement sur les formes.

Ils peuvent :

• couper un objet ;
• interrompre un mouvement ;
• cacher une partie du sujet ;
• créer une tension ;
• suggérer que la scène continue en dehors de l’image.

Lorsqu’un personnage est entièrement visible, nous pouvons l’observer comme un ensemble autonome.

Lorsqu’il est partiellement coupé, nous avons davantage l’impression qu’il traverse un espace plus vaste que l’image.

Le hors-champ devient alors actif.

Nous ne voyons pas tout, mais nous pressentons que quelque chose continue.

Saul Leiter utilise souvent cette sensation.

Ses images ne ressemblent pas à des scènes parfaitement refermées sur elles-mêmes.

Elles donnent parfois l’impression d’avoir été aperçues pendant un instant, au milieu d’un monde qui existait avant et continuera après.

Choisir ce que l’on cache

Nous avons souvent appris qu’une bonne image devait être claire.

Que le sujet devait être identifiable.

Que le spectateur devait pouvoir comprendre immédiatement ce qu’il regarde.

Mais une œuvre n’a pas toujours besoin de tout expliquer.

Une partie cachée peut susciter :

• la curiosité ;
• le doute ;
• l’imagination ;
• une sensation de distance ;
• une émotion plus difficile à nommer.

Lorsque le visage d’une personne est dissimulé, nous ne savons pas exactement ce qu’elle ressent.

Nous devons interpréter sa posture, son mouvement ou l’atmosphère qui l’entoure.

Lorsque le sujet apparaît derrière une vitre ou un reflet, il semble appartenir à un espace que nous ne pouvons pas complètement atteindre.

Le manque d’information ne diminue pas nécessairement la force de l’image.

Il peut au contraire l’approfondir.

Ce que l’on cache peut devenir aussi important que ce que l’on montre.

Cette logique s’applique à toutes les créations en deux dimensions

Dans un dessin, une peinture, une gravure, un collage, une illustration ou une photographie, les questions restent proches :

• Où placer le sujet ?
• Quelle quantité d’espace lui laisser ?
• Faut-il le montrer entièrement ?
• Quel élément doit attirer le regard ?
• Que peut-on simplifier ?
• Que peut-on enlever ?
• Quelle partie restera en dehors du cadre ?
• Depuis quel emplacement voulons-nous regarder la scène ?

Même dans une œuvre abstraite, l’artiste choisit :

• la position des formes ;
• leur taille ;
• leur orientation ;
• leur proximité ;
• leurs rapports de couleurs ;
• la place laissée au vide.

L’œuvre ne naît donc pas uniquement des éléments ajoutés.

Elle naît aussi de leurs relations.

Et dans une œuvre en trois dimensions ?

Cette réflexion ne s’arrête pas aux limites d’une feuille ou d’un écran.

Dans une sculpture, une installation ou une œuvre placée dans l’espace, l’artiste compose également.

Mais cette fois, le spectateur peut souvent se déplacer autour de l’œuvre.

L’artiste doit alors penser :

• à l’emplacement de la création ;
• à sa hauteur ;
• à son orientation ;
• à sa distance par rapport au spectateur ;
• à la lumière qui l’éclaire ;
• à l’espace qui l’entoure ;
• aux points de vue depuis lesquels elle sera découverte ;
• au chemin que le spectateur devra parcourir.

Une sculpture posée au sol ne produit pas le même effet que la même sculpture placée sur un socle élevé.

Une forme installée au centre d’une grande salle ne raconte pas la même chose que si elle est coincée dans un angle.

Une œuvre monumentale peut dominer le spectateur.

Une petite forme isolée dans un vaste espace peut sembler vulnérable ou précieuse.

Une installation que l’on observe de loin ne crée pas la même relation qu’une œuvre dans laquelle on peut entrer.

Dans l’espace, choisir une place revient aussi à choisir une relation avec le corps du spectateur.

La composition devient alors mobile.

Elle ne dépend plus seulement de la position de l’œuvre.

Elle dépend également du déplacement de celui qui la regarde.

L’emplacement modifie ce que nous ressentons

Imaginons une chaise seule.

Placée au centre d’une scène éclairée, elle peut évoquer l’attente.

Adossée contre un mur, elle peut sembler abandonnée.

Suspendue au plafond, elle devient étrange et instable.

Installée devant une porte fermée, elle peut suggérer l’empêchement.

Entourée de dizaines de chaises identiques, elle perd son caractère individuel et devient un élément d’un ensemble.

L’objet est pourtant toujours le même.

Ce qui change, c’est sa relation avec l’espace.

La composition ne consiste donc pas seulement à organiser des formes agréables.

Elle permet aussi d’orienter une sensation, une question ou un récit.

Une composition n’est pas une recette parfaite

Il existe des principes utiles :

• équilibrer les masses ;
• créer une hiérarchie ;
• guider le regard ;
• observer les espaces vides ;
• varier les tailles ;
• éviter certains alignements involontaires.

Mais composer ne consiste pas à appliquer mécaniquement une grille jusqu’à obtenir une image correcte.

Une composition peut être volontairement déséquilibrée.

Un sujet peut être placé très près d’un bord.

Une grande zone peut rester vide.

Un élément peut être presque entièrement caché.

Une sculpture peut empêcher le passage.

Une installation peut créer un sentiment d’inconfort.

Ces choix peuvent sembler contraires aux règles habituelles.

Pourtant, ils deviennent justes lorsqu’ils servent l’intention de l’œuvre.

Une composition réussie n’est pas forcément une composition sage.
C’est une composition dans laquelle les choix produisent l’effet recherché.

Les bonnes questions à se poser avant de commencer

Avant de dessiner, de peindre, de photographier ou d’installer une œuvre, vous pouvez prendre quelques instants pour vous demander :

• Qu’est-ce qui m’attire réellement dans ce sujet ?
• Quel élément doit être découvert en premier ?
• Ai-je besoin de montrer l’ensemble ?
• Que puis-je retirer sans perdre l’essentiel ?
• Quel point de vue renforce mon intention ?
• Que produit l’espace autour du sujet ?
• Une partie pourrait-elle rester cachée ?
• Que se passe-t-il si je me rapproche ?
• Que se passe-t-il si je me déplace ?
• Mon emplacement modifie-t-il ce que le spectateur ressent ?

Ces questions ne donnent pas une réponse automatique.

Elles obligent simplement le regard à devenir actif.

Vous ne subissez plus la disposition de ce qui se trouve devant vous.

Vous commencez à prendre position.

📌 Ce qu’il faut retenir

Saul Leiter nous apprend que créer ne consiste pas seulement à trouver un sujet intéressant.

Il faut encore décider :

• d’où le regarder ;
• à quelle distance ;
• ce que l’on conserve ;
• ce que l’on coupe ;
• ce que l’on cache ;
• ce que l’on laisse vide ;
• et quelle place on lui accorde.

Composer, c’est donner une place aux éléments afin de construire une manière de voir, de ressentir et de comprendre.

Cette idée traverse toutes les pratiques artistiques.

Sur une feuille, l’artiste organise l’espace du cadre.

Dans une sculpture ou une installation, il organise aussi l’espace réel et la relation avec le spectateur.

Dans les deux cas, le geste fondamental reste le même :

Choisir.

Avant de commencer une création, il peut être utile de déplacer légèrement les éléments, de tester plusieurs cadrages ou de retirer un détail. Ces essais très simples permettent souvent de comprendre ce que chaque choix transforme dans l’image ou dans l’espace.

Dans la partie suivante, nous allons observer plus précisément les outils visuels que Saul Leiter utilise pour transformer ces choix en images : les plans, les obstacles, les reflets, la couleur, le flou et le hors-champ.

4. 🧠 Les six outils visuels de Saul Leiter pour composer une image

Lorsque nous découvrons les photographies de Saul Leiter, nous avons parfois l’impression qu’il rencontrait des scènes extraordinaires.

Pourtant, il photographiait le plus souvent des rues ordinaires, des passants anonymes, des vitrines, des voitures, des parapluies ou des jours de pluie.

Le monde qui l’entourait ressemblait au nôtre.

Ce qui faisait la différence n’était donc pas le sujet.

C’était sa manière de regarder.

Avec le temps, Saul Leiter avait appris à repérer certains éléments qui transformaient naturellement une scène banale en une image forte.

Ces éléments sont devenus de véritables outils de composition.

La bonne nouvelle, c’est qu’ils ne sont pas réservés aux photographes.

Ils peuvent aussi enrichir le regard de toute personne qui dessine, peint, sculpte ou prend simplement le temps d’observer le monde avec davantage d’attention.

1. Les reflets : montrer plusieurs mondes à la fois

Lorsque nous passons devant une vitrine, notre premier réflexe consiste souvent à regarder ce qui se trouve derrière la vitre.

Saul Leiter, lui, regardait aussi ce qui apparaissait sur la vitre.

• Le reflet d’un immeuble.
• Le passage d’un piéton.
• Une lumière.
• Une silhouette.

Tout pouvait venir se superposer à la scène principale.

Une seule photographie pouvait alors raconter plusieurs espaces en même temps : l’intérieur et l’extérieur, le réel et son reflet, le proche et le lointain.

Ces superpositions donnent à ses images une impression de profondeur et de mystère.

Le spectateur prend le temps de regarder, puis découvre peu à peu de nouveaux détails.

Pour nous aussi, les reflets peuvent devenir un formidable terrain d’observation.

Une vitre, une flaque d’eau, une carrosserie ou même une table brillante peuvent révéler une image que nous n’aurions jamais imaginée regarder quelques secondes plus tôt.

Le reflet ne cache pas la scène : il lui ajoute une nouvelle histoire.

2. Les obstacles : transformer ce qui gêne en ressource

Lorsque nous voulons photographier ou dessiner un sujet, nous cherchons souvent à éliminer tout ce qui pourrait nous gêner.

• Une branche.
• Un poteau.
• Une personne qui passe.
• Un montant de fenêtre.
• Une voiture.

Nous faisons instinctivement un pas de côté pour retrouver une vue parfaitement dégagée.

Saul Leiter faisait parfois exactement l’inverse.

Il utilisait ces éléments comme une partie de sa composition.

• Une silhouette pouvait masquer une autre.
• Un rebord de fenêtre pouvait couper l’image.
• Une branche pouvait traverser la scène.

Au lieu de perturber la lecture, ces éléments créaient de la profondeur, du rythme ou une sensation d’intimité.

Cette manière de regarder nous rappelle une idée précieuse :

tout ce qui semble gêner n’est pas forcément un obstacle.

Parfois, c’est justement cet élément qui donnera à l’image son caractère unique.

Ce qui paraît inutile au premier regard peut devenir indispensable dans la composition.

3. Le hors-champ : laisser une place à l’imagination

Nous pensons souvent qu’une bonne image doit tout montrer.

Pourtant, certaines photographies restent longtemps dans notre mémoire précisément parce qu’elles ne révèlent pas tout.

Chez Saul Leiter, un personnage peut être partiellement caché.

• Un visage disparaît derrière une vitre.
• Un parapluie occupe presque tout le cadre.
• Une voiture masque la moitié de la scène.

Notre cerveau complète naturellement ce qui manque.

Il imagine ce qui continue hors du cadre.

Le spectateur ne reste plus passif.

Il participe à l’image.

Cette capacité à suggérer plutôt qu’à expliquer se retrouve dans de nombreuses pratiques artistiques.

En dessin, en peinture ou en sculpture, nous n’avons pas toujours besoin de tout montrer pour raconter quelque chose.

Parfois, ce que nous choisissons de laisser hors de l’œuvre possède autant de force que ce qui y apparaît.

Le hors-champ n’est pas un manque : c’est une invitation à imaginer.

4. La couleur : guider le regard sans parler

Dans beaucoup de photographies de Saul Leiter, une couleur attire immédiatement notre attention.

• Un parapluie rouge.
• Un manteau jaune.
• Une enseigne verte.
• Une tache de bleu dans un paysage gris.

Cette couleur n’est pas là pour décorer l’image.

Elle agit comme un repère.

Notre regard s’y dirige presque naturellement avant de découvrir le reste de la scène.

Nous retrouvons ce principe dans toutes les formes de création.

• Une touche de couleur vive peut devenir le point d’équilibre d’un dessin.
• Une lumière plus chaude peut orienter la lecture d’une peinture.
• Un matériau différent peut attirer le regard dans une sculpture.

La couleur devient alors un langage silencieux.

Elle guide le spectateur sans avoir besoin d’être expliquée.

Une seule couleur peut parfois suffire à organiser toute une composition.

5. Le flou : suggérer plutôt que décrire

Nous avons souvent appris qu’une image réussie devait être parfaitement nette.

Saul Leiter nous montre qu’il existe une autre possibilité.

Le flou peut devenir un choix.

• Une vitre embuée.
• Une pluie qui adoucit les contours.
• Un personnage aperçu à travers une fenêtre.
• Une lumière diffuse.

Ces éléments ne diminuent pas la qualité de l’image.

Ils changent simplement ce qu’elle raconte.

Le flou laisse davantage de place aux sensations.

Il évoque parfois un souvenir, une impression fugace ou un instant que l’on n’a fait qu’entrevoir.

En dessin aussi, tout n’a pas besoin d’être décrit avec la même précision.

Certaines zones peuvent rester volontairement plus discrètes afin de laisser respirer le regard.

Le flou ne retire pas de l’information : il ajoute de la poésie.

6. Les espaces de silence : laisser respirer l’image

Lorsque nous débutons, nous avons souvent envie de remplir toute la feuille.

Chaque espace vide nous paraît être un manque.

Saul Leiter nous apprend une leçon différente.

Le vide peut être une présence.

• Un ciel.
• Une façade uniforme.
• Une grande zone de neige.
• Une vitre presque blanche.
• Une rue calme.

Ces espaces donnent au regard le temps de se poser.

Ils créent un rythme.

Ils mettent en valeur les éléments essentiels.

Ils peuvent évoquer le calme, l’attente, la solitude ou simplement laisser naître une émotion.

Le silence existe dans la musique.

Il existe aussi dans les images.

Et il est parfois aussi important que les formes elles-mêmes.

Une composition ne respire pas malgré ses espaces vides. Elle respire grâce à eux.

Une autre manière de regarder

Lorsque nous réunissons ces six outils, nous comprenons mieux pourquoi les images de Saul Leiter paraissent si singulières.

Il ne cherchait pas simplement un beau sujet.

Il cherchait une lumière.

• Un reflet.
• Une couleur.
• Un obstacle.
• Un espace de silence.
• Un détail capable de transformer une scène ordinaire en expérience visuelle.

Ces outils ne constituent pas une recette.

Ils sont plutôt des invitations à ralentir.

À regarder plus longtemps.

À accepter que le monde nous surprenne.

La prochaine fois que vous marcherez dans une rue, essayez de repérer un seul de ces six éléments.

Vous serez peut-être étonné de constater que votre regard commence déjà à changer.

Et lorsque le regard change…

la composition suit naturellement.

Dans la partie suivante, nous allons observer plusieurs photographies de Saul Leiter afin de voir comment ces outils prennent vie dans ses œuvres les plus célèbres.

5. 👁️ Regarder les photographies de Saul Leiter autrement

Nous avons découvert les principaux outils visuels utilisés par Saul Leiter.

Mais une liste de principes ne suffit pas toujours à comprendre ce qui se passe réellement dans une image.

Il faut maintenant prendre le temps de regarder.

Dans cette partie, je vous propose donc une petite visite guidée.

Pas une analyse compliquée réservée aux spécialistes.

Plutôt une promenade devant quelques photographies, comme si nous avancions ensemble dans une exposition.

Avant de chercher une explication, nous allons commencer par une question très simple :

Qu’est-ce que mon regard rencontre en premier ?

Puis nous essaierons de comprendre comment Saul Leiter a construit cette rencontre et ce que nous pouvons en retenir pour nos propres dessins et créations. 

Observer les œuvres originales

Les photographies présentées dans cette partie sont volontairement décrites plutôt que reproduites, afin de respecter les droits d’auteur de Saul Leiter.

Si vous souhaitez les découvrir dans leur version originale, je vous invite à consulter les collections de la Saul Leiter Foundation ainsi que celles de la National Gallery of Art, qui conservent et présentent plusieurs de ses œuvres en ligne.

Prenez le temps de les observer avant de poursuivre votre lecture. Vous remarquerez peut-être des détails différents de ceux évoqués ici… et c’est précisément ce qui rend l’expérience du regard si riche.

Red Umbrella, 1958 : une couleur peut devenir le sujet principal

Prenez quelques secondes pour imaginer la scène.

• Une rue humide.
• Des passants.
• Des voitures.
• Une ville qui pourrait sembler grise ou ordinaire.
• Et, au milieu de cet environnement, un parapluie rouge.

C’est probablement lui que votre regard rencontre en premier.

Saul Leiter ne cherche pourtant pas à décrire chaque élément de la rue avec la même importance.

La couleur rouge agit comme un point d’ancrage.

Elle nous attire, puis nous invite à découvrir progressivement ce qui l’entoure.

Le sujet de l’image n’est donc peut-être pas seulement la personne qui tient le parapluie.

Il pourrait être cette apparition rouge au milieu de la ville.

Cette photographie nous aide à comprendre une chose essentielle :

Une composition n’a pas besoin de plusieurs éléments spectaculaires. Un seul point fort peut suffire à guider tout le regard.

Ce que cette image peut apporter à vos dessins

Lorsque vous composez un dessin, vous pouvez vous demander :

• Quel élément doit être découvert en premier ?
• Où souhaitez-vous attirer le regard ?
• Toutes les parties de votre image ont-elles vraiment besoin de la même intensité ?
• Une seule couleur, une ombre forte ou un contraste pourraient-ils suffire à créer un point d’attention ?

Il n’est pas nécessaire d’utiliser du rouge.

Dans un dessin au crayon, la zone la plus sombre peut jouer ce rôle.

Dans une peinture, ce peut être une couleur plus chaude.

Dans un collage, un fragment différent des autres.

Dans une sculpture, une matière ou une orientation particulière.

L’important n’est pas d’ajouter quelque chose de voyant.

Il s’agit de choisir où commence le regard du spectateur.

👉Snow, 1960 : regarder à travers ce qui semble empêcher de voir

Dans Snow, la scène est observée à travers une vitre couverte de condensation.

Des traces d’eau descendent sur le verre.

Au-delà, la ville devient difficile à distinguer.

Nous devinons des formes, une silhouette et la présence d’un véhicule jaune, mais rien n’est parfaitement net.

Notre premier réflexe pourrait être de considérer cette vitre comme un obstacle.

Elle empêche de voir clairement ce qui se trouve derrière.

Saul Leiter en fait pourtant le véritable cœur de l’image.

Nous regardons à la fois la surface du verre et la rue située au-delà.

La photographie ne nous livre donc pas une seule profondeur, mais plusieurs couches visuelles.

• La vitre.
• Les gouttes.
• Les inscriptions.
• La silhouette.
• La ville.

L’image paraît presque construite comme une peinture faite de surfaces superposées.

Tout n’est pas expliqué.

Mais tout invite à rester un peu plus longtemps.

Ce qui empêche de voir clairement peut parfois nous apprendre à regarder davantage.

Ce que cette image peut apporter à vos dessins

Lorsque nous dessinons, nous cherchons souvent à rendre immédiatement chaque objet reconnaissable.

Pourtant, une image peut aussi fonctionner grâce à ce qu’elle ne précise pas complètement.

Vous pouvez essayer de distinguer plusieurs plans :

• ce qui se trouve très près de vous ;
• ce qui apparaît au milieu ;
• ce qui reste plus lointain ;
• ce qui masque partiellement un autre élément ;
• ce qui devient presque abstrait.

Dans un dessin, une branche, une vitre, un rideau, une ombre ou un objet placé au premier plan peuvent renforcer la profondeur au lieu de gêner la composition.

Ils donnent au spectateur la sensation de regarder depuis un endroit précis.

Cette précision est importante.

Une image devient souvent plus personnelle lorsqu’elle ne montre pas seulement un sujet, mais aussi la position depuis laquelle ce sujet est observé.

👉 Through Boards, 1957 : montrer très peu pour faire regarder davantage

Dans Through Boards, une grande partie de l’image est occupée par des formes sombres et colorées.

La rue n’apparaît que dans une ouverture étroite.

Nous apercevons quelques passants, une voiture blanche et un fragment de ville, comme si nous regardions la scène à travers une fente.

Saul Leiter aurait pu se déplacer pour obtenir une vue plus dégagée.

Il choisit au contraire de conserver ce qui masque presque tout.

La partie cachée devient aussi importante que la partie visible.

Cette composition nous fait comprendre que le cadre d’une image ne se limite pas à ses quatre bords.

Certains éléments situés à l’intérieur peuvent eux aussi créer un second cadre.

• Une ouverture.
• Une porte.
• Deux planches.
• Un rideau.
• Une silhouette.

Le monde devient alors une succession de fenêtres à travers lesquelles le regard peut circuler.

Nous n’avons pas besoin de montrer beaucoup pour donner envie de regarder.

Ce que cette image peut apporter à vos dessins

Dans un dessin, nous avons parfois peur de masquer le sujet.

Nous voulons qu’il soit entièrement visible, bien placé et immédiatement compréhensible.

Mais une figure partiellement cachée peut créer davantage de profondeur et de curiosité qu’une figure parfaitement isolée.

Vous pouvez observer autour de vous :

• l’espace entre deux meubles ;
• une personne aperçue dans l’encadrement d’une porte ;
• un paysage visible entre deux arbres ;
• un visage partiellement caché par un vêtement ;
• une scène observée à travers une rambarde.

Ces ouvertures naturelles peuvent devenir les véritables cadres de votre dessin.

Elles permettent aussi d’éviter une composition trop attendue, dans laquelle le sujet principal se trouve simplement placé au centre d’un espace vide.

Saul Leiter nous rappelle ici que composer ne signifie pas toujours dégager la vue.

Parfois, cela signifie choisir avec soin la petite partie que l’on accepte de révéler.

👉 Street Scene, 1947 : construire une image avec la lumière et les silhouettes

Dans cette photographie en noir et blanc, deux figures apparaissent en silhouette devant une zone beaucoup plus lumineuse.

Nous distinguons leur présence, leur démarche et certains accessoires.

Mais nous n’avons pas besoin de connaître leurs visages ni les détails de leurs vêtements pour comprendre la scène.

La lumière simplifie les corps.

Elle les transforme presque en formes découpées.

Cette photographie montre que Saul Leiter possédait déjà, bien avant ses images en couleur les plus connues, une attention particulière aux masses, aux contrastes et aux relations entre les formes.

Notre regard ne s’appuie pas uniquement sur les détails.

Il reconnaît aussi :

• une direction ;
• un équilibre ;
• une silhouette ;
• une masse sombre ;
• un intervalle entre deux personnages ;
• une opposition entre la lumière et l’ombre.

Avant d’être un ensemble de détails, une image est une organisation de grandes formes.

Ce que cette image peut apporter à vos dessins

Lorsque vous commencez un dessin, il peut être utile de ne pas penser immédiatement aux yeux, aux vêtements, aux fenêtres ou aux petits objets.

Regardez d’abord les grandes masses.

• Où se situe la zone la plus sombre ?
• Où se trouve la lumière principale ?
• Les silhouettes se détachent-elles clairement ?
• Les espaces entre les personnages sont-ils intéressants ?
• L’ensemble reste-t-il compréhensible lorsque vous plissez légèrement les yeux ?

Cette manière de simplifier aide à vérifier la composition avant de consacrer du temps aux détails.

Elle est particulièrement utile pour dessiner une rue, un groupe de personnes ou une scène complexe.

Au lieu de commencer par plusieurs dizaines de petits éléments, vous pouvez construire :

• une grande forme claire ;
• une ou deux masses sombres ;
• quelques directions principales ;
• puis seulement les informations secondaires.

Le dessin gagne alors en solidité.

Et vous évitez que les détails prennent le dessus avant que l’ensemble ne soit réellement construit.

Observer avant de vouloir expliquer

Ces quatre photographies sont très différentes.

L’une attire notre regard avec une couleur.

Une autre utilise la condensation et le flou.

Une troisième ne nous laisse voir la ville qu’à travers une ouverture étroite.

La dernière s’appuie sur le contraste entre des silhouettes sombres et une lumière forte.

Pourtant, elles partagent un même principe.

Saul Leiter ne cherche pas à tout montrer avec la même précision.

Il choisit ce qui sera visible.

• Ce qui sera caché.
• Ce qui sera net.
• Ce qui restera incertain.
• Ce qui attirera immédiatement le regard.
• Et ce que le spectateur devra découvrir plus lentement.

C’est peut-être là que se trouve l’une de ses leçons les plus précieuses pour le dessin :

Une image forte ne dépend pas seulement de ce que vous représentez. Elle dépend de la manière dont vous organisez la découverte de ce que vous représentez.

Avant de dessiner une scène, vous pouvez donc prendre quelques secondes pour vous demander :

• Que verra-t-on en premier ?
• Que découvrira-t-on ensuite ?
• Que puis-je laisser partiellement caché ?
• Où l’image a-t-elle besoin de silence ?
• Tous les éléments doivent-ils réellement être décrits ?
• Quelle sensation souhaitez-vous laisser au spectateur ?

Ces questions ne donnent pas une recette.

Elles vous aident simplement à faire des choix plus conscients.

Et, peu à peu, elles transforment votre manière de composer.

Apprendre à regarder seul

Au début de cette visite, je vous ai proposé de vous arrêter devant chaque photographie avant de lire son analyse.

Cette petite pause est importante.

Elle évite de chercher immédiatement la “bonne réponse”.

Devant une œuvre, il n’est pas nécessaire de comprendre tout de suite ce que l’artiste a voulu dire.

Vous pouvez commencer par observer ce qui se passe en vous.

• Quelle forme attire votre attention ?
• Quelle zone vous intrigue ?
• À quel endroit votre regard ralentit-il ?
• Qu’est-ce qui reste difficile à identifier ?
• Que ressentez-vous devant cette image ?

Ce premier contact vous appartient.

Les informations historiques, les analyses et les cartels peuvent ensuite enrichir votre regard.

Mais ils ne doivent pas remplacer votre propre expérience.

C’est aussi cela que Saul Leiter peut nous transmettre.

Une image ne demande pas toujours à être expliquée immédiatement.

Elle peut d’abord être regardée.

Ressentie.

Parcourue.

Puis comprise progressivement.

Dans la partie suivante, nous allons nous rapprocher encore davantage de sa manière de travailler et découvrir comment sa pratique de la peinture a nourri sa photographie, sa couleur et sa manière très personnelle de transformer la ville.

6. 🖼️ Peintre ou photographe : pourquoi faudrait-il choisir ?

Lorsque l’on découvre Saul Leiter, on le présente souvent comme un photographe.

Pourtant, la peinture a occupé une place essentielle dans sa vie.

Avant même son installation à New York en 1946, il avait déjà exposé quelques peintures. Par la suite, il a continué à peindre durant toute son existence, produisant notamment des milliers d’œuvres colorées sur papier, dont une grande partie était abstraite.

Saul Leiter ne semble donc pas avoir remplacé la peinture par la photographie.

Il a pratiqué les deux.

Chacune nourrissait probablement l’autre.

La photographie comme une surface à organiser

Un photographe peut être tenté de considérer son image comme une fenêtre ouverte sur le réel.

Saul Leiter paraît souvent la traiter davantage comme une surface.

Il ne cherche pas seulement à montrer une rue.

Il organise :

• des zones colorées ;
• des masses sombres et claires ;
• des formes partiellement visibles ;
• des superpositions ;
• des lignes qui coupent l’image ;
• des espaces presque abstraits.

Dans certaines photographies, il faut même quelques secondes avant de comprendre ce que l’on regarde.

Une façade devient un grand aplat de couleur.

Une vitre transforme la ville en couches transparentes.

Un parapluie devient une forme rouge.

Une silhouette se réduit presque à une tache sombre.

La scène reste réelle, mais elle est aussi regardée comme une composition de formes et de couleurs.

La couleur n’est pas seulement descriptive

Saul Leiter commence à expérimenter la photographie en couleur dès la fin des années 1940, notamment avec des pellicules Kodachrome. En 1957, Edward Steichen présente vingt de ses photographies en couleur lors d’une conférence au Museum of Modern Art de New York.

À cette époque, la couleur reste encore peu valorisée dans une partie de la photographie artistique.

Chez Saul Leiter, elle ne sert pourtant pas simplement à reproduire fidèlement le monde.

Elle structure l’image.

Un rouge peut attirer le regard.

Un jaune peut surgir au milieu d’une scène sombre.

Une zone bleue ou verte peut équilibrer la composition.

La couleur devient une matière visuelle, presque comme dans une peinture.

La publication de son livre Early Color en 2006 a contribué à faire reconnaître l’originalité de ses compositions et son usage précurseur de la couleur.

Passer d’un médium à l’autre

Cette relation entre peinture et photographie nous apporte une leçon importante.

Une pratique artistique ne se développe pas toujours dans une seule direction.

Le dessin peut enrichir la photographie.

La photographie peut aider à comprendre le cadrage d’une peinture.

La peinture peut développer la sensibilité à la couleur.

La sculpture peut transformer notre perception des volumes et des espaces.

Chaque médium apprend à regarder autrement.

Pour une personne qui dessine, observer les photographies de Saul Leiter peut donc devenir une manière de travailler :

• la composition ;
• les rapports de couleurs ;
• les grandes masses ;
• les superpositions ;
• le choix de ce que l’on montre ou de ce que l’on cache.

Il ne s’agit pas de dessiner comme un photographe ni de photographier comme un peintre.

Il s’agit de comprendre que les frontières entre les pratiques peuvent rester ouvertes.

Un artiste n’est pas obligé de choisir une seule manière de créer pour construire un regard cohérent.

Saul Leiter a peint et photographié pendant des décennies. Aujourd’hui encore, la fondation qui conserve son œuvre le présente à la fois comme photographe et comme peintre.

Ce qui relie ses différentes pratiques n’est donc pas seulement une technique.

C’est une manière de chercher.

Une attention aux couleurs.

Aux formes.

Aux fragments.

À tout ce qui, dans une scène ordinaire, peut soudain devenir une image.

7. 🎯 Ce que Saul Leiter peut changer dans votre manière de dessiner

Lorsque l’on découvre les photographies de Saul Leiter, il est facile d’être impressionné par leur poésie, leurs couleurs ou leurs jeux de reflets.

On pourrait alors penser que son univers est unique, presque impossible à retrouver.

Pourtant, son plus bel enseignement est peut-être ailleurs.

Il nous rappelle que la beauté d’une image ne dépend pas seulement de ce que nous regardons, mais de la manière dont nous choisissons de le regarder.

Cette idée peut transformer notre façon de dessiner.

Cesser d’attendre le sujet parfait

Beaucoup de personnes pensent qu’il faut un paysage spectaculaire, un monument célèbre ou un modèle exceptionnel pour réaliser un beau dessin.

Saul Leiter nous montre exactement l’inverse.

• Une rue sous la pluie.
• Une vitre embuée.
• Une silhouette qui passe.
• Une tasse posée près d’une fenêtre.

Autant de scènes que nous croisons sans leur prêter attention.

Son travail nous invite à ralentir.

À accepter que le quotidien soit déjà une formidable source d’inspiration.

Le sujet n’est pas toujours ce qui manque.

C’est souvent notre disponibilité à le regarder autrement.

Choisir avant de dessiner

Lorsque nous débutons un dessin, nous avons souvent envie de tout représenter.

Chaque détail semble important.

Chaque objet mérite sa place.

Progressivement, la feuille se remplit… et le regard du spectateur ne sait plus où se poser.

Saul Leiter nous apprend qu’une image gagne parfois en force lorsque l’on accepte de faire des choix.

• Choisir ce que l’on montre.
• Choisir ce que l’on laisse hors du cadre.
• Choisir une couleur qui attire immédiatement le regard.
• Choisir une grande forme plutôt qu’une multitude de petits détails.

Dessiner ne consiste pas seulement à ajouter.

C’est aussi apprendre à enlever.

Accepter de suggérer plutôt que tout expliquer

Nous avons souvent peur que notre dessin paraisse incomplet.

Nous cherchons à tout montrer pour être certains d’être compris.

Pourtant, une image laisse aussi une place à celui qui la regarde.

• Un reflet peut cacher une partie d’un visage.
• Une branche peut masquer un bâtiment.
• Une silhouette peut disparaître derrière une vitre.

Ces éléments ne rendent pas l’image moins lisible.

Ils la rendent souvent plus vivante.

Ils invitent notre imagination à poursuivre ce que le regard ne voit pas entièrement.

Regarder avant de chercher à réussir

Peut-être est-ce là la plus belle leçon que nous laisse Saul Leiter.

Avant de vouloir réaliser un beau dessin…

Prenez quelques instants pour observer.

Regardez comment la lumière traverse une fenêtre.

• Comment une couleur attire votre attention.
• Comment une silhouette apparaît puis disparaît derrière un obstacle.
• Comment un simple reflet transforme une scène ordinaire.

Vous découvrirez peut-être que votre carnet ne se remplit pas seulement grâce à votre technique.

Il se nourrit aussi de toutes ces petites découvertes que vous faites en regardant le monde avec davantage de curiosité.

Le dessin devient alors bien plus qu’un exercice.

Il devient une manière d’habiter pleinement l’instant présent.

Saul Leiter nous rappelle qu’un regard attentif peut transformer l’ordinaire en source d’émerveillement.

Et c’est sans doute une bonne nouvelle.

Car cette façon de regarder est à la portée de chacun.

Elle ne demande ni un matériel particulier, ni un lieu exceptionnel.

Seulement un peu de temps…

Et l’envie de laisser le monde nous surprendre à nouveau.

Dans le bonus qui suit, je vous propose justement une courte expérience pour mettre cette idée en pratique. Vous verrez qu’il suffit parfois de quelques minutes pour commencer à regarder autrement.

8. 🌱 Ressentir plutôt que comprendre

Face à une image de Saul Leiter, il n’est pas toujours nécessaire de tout expliquer.

On peut simplement regarder.

Laisser venir une impression.

Une couleur.

Une lumière.

Une sensation de pluie, de silence ou de distance.

Certaines images ne cherchent pas à raconter une histoire précise.

Elles créent une atmosphère.

Elles nous donnent envie de rester quelques secondes de plus, sans forcément savoir pourquoi.

Cette manière de regarder peut aussi enrichir votre dessin.

Vous n’avez pas toujours besoin de décider immédiatement ce que votre image doit signifier.

Vous pouvez commencer par une sensation :

• une couleur qui vous attire ;
• une lumière douce ou inquiétante ;
• une impression de calme ;
• une silhouette aperçue trop rapidement ;
• un détail qui réveille un souvenir.

Puis laisser le dessin se construire autour de cette première émotion.

Comprendre peut venir ensuite.

Et parfois, ce n’est même pas nécessaire.

Une image peut être juste parce qu’elle nous touche, avant même que nous sachions mettre des mots dessus.

 

9. 🌈 Une phrase de Saul Leiter à garder en mémoire

« Le don d’un photographe au spectateur est parfois de révéler la beauté de l’ordinaire que l’on ne remarquait plus. »
— Saul Leiter

Cette phrase résume admirablement son regard.

Saul Leiter ne cherchait pas forcément des sujets extraordinaires.

Il nous montrait plutôt que l’extraordinaire pouvait déjà se trouver devant nous, dans une rue, une vitre, une couleur ou une silhouette aperçue quelques secondes.

Le rôle de l’artiste n’est donc pas seulement de créer une belle image.

Il peut aussi nous aider à remarquer ce que nous ne regardions plus.

Et peut-être est-ce là l’une des fonctions les plus précieuses du dessin :

rendre visible ce que l’habitude avait fini par effacer.

10. 🎁 Bonus : une promenade pour apprendre à regarder autrement

Pour mettre en pratique ce que Saul Leiter peut nous apprendre, je vous propose une expérience très simple.

Elle peut durer dix minutes.

Vous pouvez la faire dans une rue, devant une fenêtre, dans un café ou même chez vous.

Vous n’avez pas besoin de chercher un lieu exceptionnel.

Au contraire.

Choisissez un endroit ordinaire.

Puis prenez le temps de regarder.

Étape 1 : repérez une couleur

Cherchez une couleur qui attire immédiatement votre attention.

Elle peut être très présente ou presque invisible.

• Un parapluie rouge.
• Une lumière jaune derrière une fenêtre.
• Une veste bleue.
• Une plante verte sur un rebord.

Ne cherchez pas encore à dessiner.

Observez simplement la place que cette couleur occupe dans la scène.

Demandez-vous :

Où mon regard se pose-t-il en premier ?

Étape 2 : cherchez ce qui cache

Regardez maintenant les obstacles présents devant vous.

• Une vitre.
• Une branche.
• Un rideau.
• Une silhouette.
• Le bord d’une porte.
• Un objet placé au premier plan.

Ces éléments cachent-ils une partie de la scène ?

Créent-ils une profondeur ?

Rendent-ils l’image plus mystérieuse ?

Essayez de résister à l’envie de tout voir clairement.

Ce qui est partiellement dissimulé peut devenir la partie la plus intéressante de votre composition.

Étape 3 : choisissez un petit cadre

Avec vos mains, formez un rectangle devant vos yeux.

Vous pouvez aussi utiliser l’écran de votre téléphone sans prendre de photo.

Déplacez légèrement ce cadre.

Vers la droite.

Vers la gauche.

Plus haut.

Plus bas.

Observez comment la scène change lorsque vous retirez certains éléments.

Le but n’est pas de tout faire entrer.

Le but est de choisir.

Étape 4 : réalisez trois croquis très rapides

Prenez maintenant votre carnet.

Réalisez trois petits dessins de la même scène.

Accordez-vous deux ou trois minutes pour chacun.

Dans le premier, concentrez-vous sur les grandes formes.

Dans le deuxième, mettez l’accent sur la couleur ou la lumière.

Dans le troisième, laissez une partie du sujet cachée ou coupée par le cadre.

Ne cherchez pas à produire trois dessins réussis.

Cherchez trois manières différentes de regarder.

Étape 5 : observez ce qui a changé

Posez vos trois croquis côte à côte.

Demandez-vous :

• lequel attire le plus facilement mon regard ?
• lequel laisse le plus de place à l’imagination ?
• lequel raconte quelque chose sans tout montrer ?
• lequel correspond le mieux à ce que j’ai ressenti ?

Il n’y a pas de bonne réponse.

L’exercice vous permet simplement de constater qu’une même scène peut donner naissance à plusieurs images, selon ce que vous choisissez de montrer.

Ce que cet exercice entraîne vraiment

Vous avez peut-être l’impression d’avoir travaillé le cadrage, les reflets ou la couleur.

C’est vrai.

Mais vous avez surtout entraîné une capacité plus profonde :

celle de remarquer.

• Remarquer une lumière.
• Une silhouette.
• Un détail discret.
• Une relation entre deux formes.
• Une scène que vous auriez peut-être traversée sans la voir.

C’est ainsi que le regard se construit.

Pas en cherchant sans cesse des sujets extraordinaires.

Mais en devenant plus attentif à ce qui est déjà là.

Vous pouvez refaire cette expérience régulièrement, dans des lieux très différents.

Au fil du temps, vous constaterez peut-être que votre manière de dessiner évolue.

Non parce que votre main aura soudainement appris une nouvelle technique.

Mais parce que votre regard aura commencé à faire des choix plus précis, plus sensibles et plus personnels.

11. 🔗 De Saul Leiter à Jackson Pollock : quand le regard rencontre le mouvement

Saul Leiter nous a appris à ralentir.

À observer une vitre, une silhouette, une couleur ou un reflet.

À comprendre qu’une image peut naître d’un détail presque invisible.

Avec Jackson Pollock, le regard va bientôt changer de rythme.

Il ne s’agira plus seulement de choisir ce que l’on montre, mais d’observer comment un geste traverse l’espace.

Chez Pollock, la ligne ne sert pas forcément à délimiter une forme.

• Elle se déplace.
• Elle se croise.
• Elle accélère, ralentit, se superpose et laisse apparaître le mouvement du corps qui l’a créée.

À première vue, les univers de Saul Leiter et de Jackson Pollock semblent très éloignés.

L’un photographie silencieusement les rues de New York.

L’autre projette et fait couler la peinture sur de vastes toiles posées au sol.

Pourtant, tous deux nous invitent à regarder une image autrement.

Saul Leiter nous apprend que le cadre transforme le quotidien.

Jackson Pollock nous montrera que le geste peut transformer l’espace même de la feuille ou de la toile.

Après avoir appris à remarquer ce qui nous entoure, nous allons donc explorer une autre question :

Que peut raconter une ligne lorsqu’elle n’essaie plus de représenter un objet ?

Dans le prochain article consacré à Jackson Pollock, nous découvrirons comment le mouvement, le rythme et l’engagement du corps peuvent devenir les véritables sujets d’une œuvre.

Et peut-être comprendrons-nous qu’en dessin, une ligne ne montre pas seulement quelque chose.

Elle peut aussi conserver la trace d’une énergie, d’une hésitation, d’un élan… et parfois même d’un instant vécu.

12. 🔎 Sources et ressources pour aller plus loin

Si vous souhaitez découvrir davantage l’univers de Saul Leiter, voici quelques ressources de référence qui permettent d’explorer son œuvre, son parcours et sa manière unique de regarder le monde.

🏛️ La Saul Leiter Foundation

La Saul Leiter Foundation est la référence incontournable pour découvrir son travail.

Elle rassemble des milliers de photographies, peintures, archives et documents consacrés à l’artiste. Vous y trouverez également sa biographie, des expositions en cours, des publications ainsi que de nombreuses reproductions de ses œuvres.

👉 https://www.saulleiterfoundation.org

🖼️ Le Museum of Modern Art (MoMA)

Le MoMA de New York conserve plusieurs photographies de Saul Leiter dans ses collections permanentes.

Son site permet de découvrir certaines œuvres, ainsi que les expositions auxquelles il a participé.

👉 https://www.moma.org/artists/3470-saul-leiter

🎨 La National Gallery of Art

La National Gallery of Art de Washington met également plusieurs photographies de Saul Leiter à disposition en ligne.

Chaque œuvre est accompagnée d’une notice détaillée permettant d’observer sa composition et sa technique.

👉 https://www.nga.gov/artists/30157-saul-leiter

📚 Pour prolonger la découverte

Si vous souhaitez aller plus loin, plusieurs ouvrages permettent d’explorer l’ensemble de son travail, en photographie comme en peinture.

Parmi les plus connus :

• Early Color(Steidl, 2006), qui a révélé au grand public l’importance de son travail en couleur ;
• The Centennial Retrospective, publié à l’occasion du centenaire de sa naissance, offrant une vision très complète de son œuvre ;
• Early Black and White, consacré à ses photographies en noir et blanc.

La bibliographie complète est disponible sur le site de la Saul Leiter Foundation.

✍️ Article rédigé par Mucyol – Atelier Mucyol
Le Dessin commence par le regard… et peut changer votre vie.

Vous êtes libre de commenter et partager cet article.